En este articulo trataremos de explicar algunos de los movimientos fotográficos americanos durante la segunda mitad del siglo XX intentando acercar la fotografía y entender como hemos llegado al punto en el que nos encontramos ahora.

Nuevo documentalismo social

Surgió dentro de los movimientos fotográficos americanos como una respuesta a las grandes transformaciones sociales, culturales y políticas que se produjeron en el país durante la primera mitad del siglo XX. A diferencia de la primera fotografía documental que se centraba en la representación objetiva de la realidad, se enfocó en las personas y sus experiencias, con la intención de transmitir emociones y valores humanos a través de la imagen.

La fotografía humanista en Estados Unidos tuvo un gran impacto en la sociedad, ya que logró concienciar a la opinión pública sobre la realidad social del país y contribuyó a la lucha por la justicia social y la igualdad, es una fotografía que no retrata los grandes eventos que acontecen en la sociedad sino los pequeños momentos.

Fotografía Intimista

Otro de los movimientos fotográficos americanos consiste en un tipo de documentalismo fotografíco que esta tomado dentro del espacio íntimo de las personas.
Con este estilo fotográfico se enfocan las emociones y los sentimientos, buscando crear una conexión emocional entre el sujeto de la fotografía y el espectador.

La fotografía intimista tiene mucho de la vida ordinaria, rutinaria, e incluso algo aburrida de los suburbios; y por el otro, tiene mucho de los submundos urbanos, mucho del underground, de lo marginal de la ciudad.

La fotografía intimista puede incluir retratos, fotografías de la vida diaria, paisajes urbanos y rurales, naturaleza, entre otros temas. El objetivo es capturar momentos que sean auténticos y que reflejen la personalidad del sujeto o la atmósfera del lugar.

Espacios aparentemente asépticos donde se escondían complejas relaciones familiares en lo íntimo y abuso de drogas, armas y sexo entre los jóvenes de clase media comunes y corrientes.

Pictures Generation

Es el mundo de la inmediatez, de lo instantáneo, de la imagen reemplazando a las palabras. Estos artistas se apropian de los recursos visuales de la publicidad en general, de la televisón, del cine, de las revistas, y con sentido crítico nos dan su mirada de este mundo “listo para consumir”.
Las imágenes que producen estos artistas suelen ser una referencia a otras que ya están bien instaladas por los medios en la mente del observador. Utilizan lo que llamamos “estereotipos culturales”

El término “Pictures Generation” fue acuñado por el crítico de arte Douglas Crimp en 1977 para describir una exposición que organizó en el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York.

LOS FOTÓGRAFOS

Robert Frank (Zúrich, Suiza, 9 de noviembre de 1924-Inverness, Nueva Escocia, 9 de septiembre de 2019)

En 1955 y 1956, Robert Frank gracias a una beca Guggenheim,recorre los Estados Unidos con su cámara y retrata el alma de su pueblo tomando unas 27.000 fotografías.

Cuando Robert Frank presentó el trabajo a los editores neoyorquinos las imágenes de una América desgastada, obsesionada por el dinero, divorciada del estereotipo hollywoodense e incompatible con el sueño americano. Por supuesto que lo rechazaron tajantemente. La propia fundación Guggenheim le retiró toda forma de apoyo.

Al final el libro fue publicado por una editorial francesa estando considerado el libro de fotografía documental más importante en la segunda mitad del siglo XX.

Diane Arbus (Nueva York, 14 de marzo de 1923-Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971)

Las fotografías de Diane Arbus son fácilmente reconocibles, ya que no dejan indiferente al espectador, sus imagenes retratan el alma de aquellos a los que fotografía.Son fotografías crudas y directas, que nos obligan a mirar en lugares donde muchas veces el resto apartan la vista.

La forma de fotografiar de Arbus rompía la composición, situando al personaje en el centro, cuya mirada siempre era directa, con tensión y fuerza. Para ella no existía el momento decisivo.

Diane busca la mirada del retratado siempre a cámara, quiere que los protagonistas sean conscientes de estar siendo retratados, y plasmar el vínculo que se establece entre ellos en ese instante.

Lee Friedlander (14 de julio de 1934)

Lee Friedlander rompe con los medios de representación tradicionales y mira hacia la cultura popular en busca de inspiración. Para ello incorpora un repertorio banal, crea argumentos visuales confusos y sacude al espectador con un sentido de la ironía derivado de yuxtaposiciones de objetos e ideas aparentemente inconexos, que contrasta con la seriedad de los anteriores fotógrafos documentalistas.

Una de las características distintivas del trabajo de Friedlander es su estilo documental y su enfoque de “capturar lo que ve”.

Lo que importa en su fotografía es el encuadre preciso. Esta es la seña de identidad del autor y lo que se debería estudiar en todas las escuelas.

Garry Winogrand (Nueva York, 1928 – 1984)

Winogrand nunca buscaba una “foto bonita”. La capacidad de anticiparse al suceso y la habilidad para tomar la fotografía con rapidez son las dos características más destacadas de los practicantes de la “street photography”, conocido por su enfoque en la vida cotidiana y la cultura popular de los Estados Unidos en la década de 1960.

“Fotografío para ver como se ve el mundo en fotografía” Garry Winogrand.

Larry Clark (Tulsa, Oklahoma; 19 de enero de 1943)

Sus fotografías a menudo muestran escenas crudas y explícitas de jóvenes involucrados en actividades peligrosas, violentas o sexuales. Sus imágenes son controversiales y han sido criticadas por algunos por ser demasiado explícitas o por explotar a sus sujetos. Sin embargo, otros han elogiado su trabajo por su honestidad y realismo.

Larry Clark también ha desarrollado una carrera muy interesante en el mundo cinematográfico con películas que son referencia en el cine de autor internacional como “Kids“

Nan Goldin (EEUU 1953)

Cuando tiene 15 años, tiene su primer contacto con la fotografía en la escuela; dos años más tarde, cuando empiezan los años 70, Goldin ya aparece como una aspirante a fotógrafa profesional inspirada, según ella misma, “en las imágenes de las revistas de moda moderna”.

Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad…

Nan Goldin se tomó este auto-retrato para recordarse a sí misma por qué no debía volver a tener relación con el hombre que le había hecho esto, su pareja hasta el momento en que casi le deja ciega de un ojo con una paliza.

“Mi trabajo viene de la empatía y el amor” Nan Goldin

Larry Sultan (13 de julio 1946 a 1913 diciembre de 2009)

Comenzó a fotografiar en la década de 1970, junto con su amigo y colaborador Mike Mandel, y juntos crearon una serie de proyectos fotográficos innovadores que cuestionaron las nociones tradicionales de la fotografía documental.

Larry Sultan es uno de los referentes de la corriente intimista, la fotografía que en la década de 1970 ya no documenta lo que sucede en la calle, en las grandes ciudades, con el fotógrafo recorriendo y retratando un país, y se dedica en cambio a documentar la vida íntima, el pequeño mundo que habita cada persona.

Su obra más conocida, “Pictures from Home” (1983-1992), Sultan exploró la relación entre su padre y su hogar en Los Ángeles, documentando la vida en su casa suburbana y la relación tensa entre su padre y su madre. La serie se convirtió en un estudio sobre la naturaleza de la familia, la identidad y la memoria, y se ha convertido en una obra fundamental del movimiento de fotografía contemporánea.

Stephen Shore (nacido en 1947 en New York City)

Se hizo conocido en la década de 1970 por sus fotografías de paisajes y escenas cotidianas, capturadas con una estética desapasionada y una composición precisa. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de New York.

Shore ha sido un defensor de la fotografía en color y ha ayudado a legitimar su uso en el mundo del arte. Ha enseñado fotografía en la Universidad de Nueva York y en la Bard College, y su obra ha sido expuesta en museos de todo el mundo.

“Cuando se coloca una cámara 8×10 en el trípode, las decisiones que hace el fotógrafo se vuelven muy claras y conscientes. Hay un periodo de conocimiento, de auto-conciencia, de decisiones que es diferente al uso de los 35mm. […] Poco a poco, comencé a examinar las decisiones involucradas al crear cada fotografía, comencé a juguetear y traté de aprender cómo lograr de manera muy consciente obtener las mismas cualidades de American Surfaces, pero utilizando esta cámara enorme.” Stephen Shore.

Cindy Sherman (Glen Ridge, Nueva Jersey 19 de enero de 1954)

A pesar de que en la mayoría de sus fotografías aparece ella misma, no las considera autorretratos. Sherman se utiliza a sí misma como vehículo para representar una gran variedad de temas del mundo contemporáneo, como el papel de la mujer o el papel del artista.

A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte.

Los Fotogramas de Sherman son una de las más fértiles intersecciones en las avenida de la fotografía contemporánea. En el sentido más amplio, participan del gran examen cultural a la autenticidad de la experiencia postmoderna y el concepto de la realidad misma.

Ryan McGinley (17 de octubre de 1977 en Ramsey, New Jersey)

En 1999 envió a 100 editores y artistas que admiraba, un libro de 50 páginas con sus fotos. El libro se titulaba “The Kids Are Alright” y consistía en fotos exuberantes y bacanales que retrataban a sus amigos de Nueva York.
Su trabajo se caracteriza por retratar la belleza y la vulnerabilidad de la juventud, a menudo en ambientes naturales y rurales.

A los 26 años se convirtió en el artista más joven en tener una exposición individual en el Museo Whitney de Nueva York.

Hasta aquí el articulo sobre los movimientos fotográficos americanos ¡Larga vida a la FOTOGRAFÍA!

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